東京交響楽団 川崎定期演奏会 第68回

2018-10-07 @ミューザ川崎シンフォニーホール

大井剛史：指揮
東京交響楽団

阪田知樹：ピアノ*

深井史郎：架空のバレエのための三楽章
早坂文雄：ピアノ協奏曲*
小山清茂：弦楽のためのアイヌの唄
伊福部昭：シンフォニア・タプカーラ（1979年改訂版）
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武満徹：雨の樹素描Ⅱ〜オリヴィエ・メシアンの追憶に〜*

1914年生（小山、伊福部、早坂）、東響が日本初演（早坂、伊福部、深井）、アイヌがテーマ（小山、伊福部）という繋がりによる日本人作曲家特集…とチラシに書いてあった。

このうち深井と小山はその存在さえ知らなかったのだから、当然初聴き。早坂と伊福部はコンサートでも複数回聴いているが、今日の作品はいずれも初聴き。全曲初聴き！って非常に珍しい。

4作品とも1948〜64年初演のほぼ同時代の邦人作品ということで、すべて初聴きのせいもあったか、結果的にはどれもよく似た感じだが、所謂「現代音楽」の嫌味がまったくない。

阪田知樹と共演で早坂文雄の「ピアノ協奏曲」（2楽章構成）はピアノ中心に管弦楽編成の規模も大きく、華やかな音楽で演奏時間も一番長かった（僅かな差だが）ので、メインに据えても良い感じだったが…。

小山清茂の「弦楽のためのアイヌの唄」も弦楽アンサンブルに小型パーカッションという珍しい組み合わせで、靴べらによるチェロのピチカートなど、全体に新鮮な魅力があった。

それらの中でも最後に登場した伊福部昭の「シンフォニア・タプカーラ」が一番楽しめた。音楽的に他作より抜きん出ているかどうかは分からないが、聴いていて実に面白く楽しい。

他の3作にも共通するが、西洋音楽の調性はあるようなないようなではっきりしない。調性というより日本古来の旋法が取り入れられているのだろう。部分的に雅楽や民謡、祭り囃子（「タプカーラ」はアイヌの民族舞踊を意味するらしい。）のような音楽が西洋音楽の調性と組み合わされているのではないかと聴いていた。
そのような試みが一番親しみやすく発揮されていたのが「シンフォニア」だと思う。

大井剛史の指揮も複雑な変拍子をきれいに捌いて東響のアンサンブルも上等。

余談ながら：

全員の生没年と今日の作品の初演年を書いておこう。
深井史郎（1907〜1959）⇒1956年
早坂文雄（1914〜1955）⇒1948年
小山清茂（1914〜2009）⇒1964年
伊福部昭（1914〜2006）⇒1955年（世界）、56年（日本）、80年（改訂版）

全作品が20世紀中程に作曲・初演されたものだ。
西洋音楽史的に言えば「現代音楽」の始まりの頃か。

さて、これらの作品を音楽界（どんな世界だ？）で「現代音楽」と呼んでいるのかどうかは知らない。「現代音楽」の定義があいまいだから。「現代」の音楽と言うなら、「現代音楽」に違いがない。無調又は調性が拡大されているのが「現代音楽」ならこれらの作品は半分くらい（数ではなくどの作品も内容的に）は「現代音楽」と言えるのかもしれない。

しかし、「現代音楽」という場合、その代表とされるジョン・ケージの「4分33秒」（幸いにして聴いた？ことがない。）とかリゲティの「ポエム・サンフォニック（100台のメトロノームのための）」（東響で聴かされた！腹立たしい。）など、「無調」さえ超え、古典的な「音楽」の定義にも外れるような作品も堂々とステージに掛けられているが、今日の邦人作品群はそんな不届きな作品とは別世界のものだ。だから、これらの作品を「現代音楽」という言葉で括るのは抵抗もあるし、間違いではないだろうか。

…などと余計なたわごとを記したのは、自分の備忘のためでもあるし、所謂「現代音楽」に時々我慢がならないからだ（アルヴォ・ペルトの作品などはほとんど抵抗なく受け入れられるから、時期的な括りで音楽の「現代」性を捉えるのも間違っていると考えている。）。
行き詰まりから始まり、調性を諦め、不協雑音と激しいリズムとダイナミックレンジで聴衆の＜意表を突くだけ＞の「現代音楽」に展望があるはずがない。「古典にもどれ！」と言いたい。

♪2018-125/♪ミューザ川崎シンフォニーホール-19

平成30年度（第73回）文化庁芸術祭協賛 国立演芸場10月上席

2018-10-05@国立演芸場

落語          三遊亭小笑⇒粗忽の釘
講談          神田京子⇒与謝野晶子
落語          笑福亭和光⇒ぜんざい公社
相撲漫談    一矢
落語          三遊亭笑遊⇒くしゃみ講釈
     ～仲入り～
漫談　　　 新山真理〜賞味期限ギリギリ〜
落語          春風亭柳橋⇒親子酒
奇術          北見伸＆スティファニー
落語          三遊亭圓輔⇒のざらし   

今回は、全体に高水準で楽しめた。
笑福亭和光は初めて聴いたが、噺はおなじみの「ぜんざい公社」でバカバカしい。
三遊亭笑遊にハズレ無し。「くしゃみ講釈」はひょうひょうとした顔貌での顔芸がおかしい。
春風亭柳橋の「親子酒」も出来が良かった。
トリの三遊亭圓輔「のざらし」は途中で切り上げることが多いようだが、今日は、時間もあったので本来のサゲまで語った。これがなかなか難しく柳橋は事前に解説をしてくれたので分かったが、「シンチョウ⇒（浅草）新町」、「タイコ⇒太鼓⇒幇間」、「太鼓の皮⇒馬の皮」などの意味が分かっていないと笑えないという噺だ。笑いどころを教えてもらって笑うというのも困ったものだ。

ほかに、色物では北見伸＆スティファニーの奇術がいつもながら素晴らしい。もう、まったくタネの見当もつかない不思議さで目を白黒。

ところで、寄席に限ったことではないが、プログラムやチラシに出ている芸人（演奏家も）の写真が。当然、撮った時点でもう古くなるのは仕方がないが、何年も前の写真を使っている人が少なくない。とりわけひどいのが、噺家の写真だ。笑遊は少なくとも20年、圓輔に至っては30年ほど前の写真を平気で使い続けているのはこれも笑いのネタなのだろうか。

♪2018-124/♪国立演芸場-14

十月歌舞伎 通し狂言「平家女護島」

2018-10-04 @国立劇場

近松門左衛門＝作
国立劇場文芸研究会＝補綴
国立劇場美術係＝美術
通し狂言 平家女護島（へいけにょごのしま）三幕四場

序　幕　六波羅清盛館の場 
二幕目　鬼界ヶ島の場
三幕目　敷名の浦磯辺の場
同　　　御座船の場

（主な配役）
平相国入道清盛／俊寛僧都⇒中村芝翫
俊寛妻東屋⇒片岡孝太郎
瀬尾太郎兼康⇒中村亀鶴
能登守教経／丹左衛門尉基康⇒中村橋之助
俊寛郎等有王丸⇒中村福之助
上臈松ヶ枝⇒中村梅花
海女千鳥⇒坂東新悟
越中次郎兵衛盛次／丹波少将成経⇒中村松江
後白河法皇⇒中村東蔵
ほか

所謂「俊寛」に前後の段を加えた通しとして演じられた。できるだけオリジナルを復元して次代に伝えようという姿勢で、これが国立劇場の魅力だ。
しかし、先月秀山祭＠歌舞伎座で吉右衛門が「俊寛」を演ったせいか、2ヵ月続いて「俊寛」では誰が演じてもお客は呼べないだろう。

僕は、秀山祭は昼の部だけを観て夜の部の「俊寛」をパスし、今月の国立での通し狂言「平家女護島」に期待をしていた。

しかし、というか、案の定というべきか、厳しい状況で、芝翫が吉右衛門にかなうはずもなし。
今日のお客の入りは全館で五分〜せいぜい六分の入りか。

舞台は芝翫親子が熱演しているのだけど、空席の目立つ客席は緊張がシカンしていた。

芝翫の息子たち、橋之助・福之助兄弟はそれぞれに出番の多い役で頑張っていたが、舞台にも生まれる緊張の隙間を埋めるには到底心もとなく、お稽古教室の感があった。

鬼界ヶ島で俊寛に斬り殺されてしまう悪役・瀬尾太郎兼康を中村亀鶴が演じていた。亀鶴という役者をこれまで何度も観てきているが、その都度忘れてしまう、まあ、あまり存在感のある役は振られていなかったように思うが、今回の役はなかなか良かった。元気な悪党ぶりが頼もしかった。これで当分覚えているだろう。

♪2018-123/♪国立劇場-014

NHK音楽祭2018：NHK交響楽団演奏会

2018-10-01 @NHKホール

パーヴォ・ヤルヴィ：指揮
NHK交響楽団
新国立劇場合唱団*
NHK東京児童合唱団*

オルガ・ペレチャッコ・マリオッティ：ソプラノ*
マックス・エマヌエル・ツェンチッチ：カウンターテナー*
ベンジャミン・アップル：バリトン*

ドビュッシー：牧神の午後への前奏曲
オルフ：踊る牧神［日本初演］
オルフ：カルミナ・ブラーナ*

ドビュッシー（1862〜1918）の「牧神の午後への前奏曲」で始まり、オルフ（1895〜1982）の「踊る牧神」に引き継がれた。

第1曲と第2曲は「牧神」繋がりだ。オルフの「牧神」はなんと日本初演だった。フランスの近代作品とドイツの現代作品という文化の違いがあるけど、後者は前者の色彩を色濃く受け継いでいる感じだった。フルートの活躍、2台のピアノ、チェレスタなど、楽器編成もフランスぽい。

いよいよメインが、「オルフ」繋がりで、オルフの代表作にして大作「カルミナ・ブラーナ」（1936年完成）だ。

慎重に、そして気合を入れた前2段の準備の後に、この日のメインと言うより、個人的には今年、最も楽しみにしていた作品が厳かに？登場する。

バイエルンの修道院に残されていた中世の詩集から選択・編集したテキストを基に世俗カンタータの形で作曲された。

冒頭に配された「運命の女神フォルトゥナ」が中心的な主題になっているようだ。大合唱、小合唱、児童合唱、独唱などがいろいろ組み合わされて全部で25曲。最後は再び「運命の女神フォルトゥナ」が登場して壮大この上なく盛り上がって終曲する。

長大な中間の22曲は3部に分かれ、
第1部は「はじめての春」春の訪れの喜びだけではなく、男女の＜春＞も喜びも描かれる。
第2部は「酒場にて」。男と酒の世界だ。
第3部は「愛の宮廷」。かなり際どい男女の世界が歌われ、
それらがすべて冒頭の「運命の女神フォルトゥナ」に収斂してゆく。

聖の世界から生の世界、そして性の世界と、正に聖俗の混交だ。
宝箱のようなおもちゃ箱をひっくり返したように次から次と刺激的で官能的で、土俗的で、時に天上の音楽が繰り出され、聴いている側も息をつく間もないめくるめく感興に振り回される。

圧倒、圧巻、感動、最高〜なんて賛辞を軽々に使いたくないが、今日のこの演奏に使わずしてどこで使う？
パーヴォ・ヤルヴィの緩急自在な棒にオケも合唱もピタリと合わせて見事。聴きながら幸福に浸りオルフがこの作品を残してくれた事に感謝せずにおれなかった。

余談だが、ソプラノのオルガ・ペレチャッコは、昨年3月に新国立劇場で「ルチア」のタイトルロールを歌ったのを観に行った。今回は狂乱のルチアとは様変わりの役柄だったが、悩ましく蠱惑的な喉を聴かせてくれた。

♪2018-122/♪NHKホール-09

東京フィル 11回 平日の午後のコンサート

2018-10-01 @東京オペラシティコンサートホール

渡邊一正：指揮
東京フィルハーモニー交響楽団

大谷康子：バイオリン*

ロッシーニ：歌劇『ウィリアム・テル』序曲
モンティ：チャールダーシュ*
マスネ：タイスの瞑想曲*
J.S.バッハ：G線上のアリア（管弦楽組曲第3番より第2曲「アリア」）*
サラサーテ：ツィゴイネルワイゼン*
ベートーベン：交響曲第7番
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アンコール
アンダーソン：プリンク・プランク・プランク*

永遠のお姫様、大谷康子が目当て。期待どおりの美音と演奏。軽めの名曲ばかりだが、音楽大好き感一杯で聴く方も幸せに。

このコンサートのシリーズは初めてだが、指揮者（今日は渡邉一正）がMCを務めるというクラシックにはちょいと珍しいスタイルだったが、この渡邉センセイ、話下手で、もっぱら話し上手の大谷康子におんぶにだっこという感じだったが、それはそれで楽しかった。
チャルダーシュは？千回も演奏していると彼女自身が話したが、忘れてしまった。チゴイネルワイゼンは今日で3800回目くらいだ、というのは記憶に留まった。^^;

指揮者から、同じ曲をそんなに何度も演奏する時にはどんな心構えなのですかと問われた彼女の答えに一々納得したが、最後に、すばらしい作品を残してくれた作曲家への感謝の念を以て弾いています、との答えに大谷康子ならでは、さもありなんと聞いて得心。嬉しかった。正に、いつも入魂の演奏だもの。

人間的にも飾り気がなく気さくで、デビュー43年の今でも可愛い天然のお姫様だ。飾り気はない、と言ってもドレスが大好きで、子供の頃に大きくなったらドレスが着られるからと思って一生懸命にバイオリンの練習をしたという話もさもありなんだ。

後半はベートーベンの交響曲第7番。
これが期待以上に上出来。
東フィルは定期会員ではないし、コンサートではあまり聴く機会がないが、オペラにゆくとほとんどの場合ピットに入っているのが東フィルなので、演奏自体はよく聴いているし、いつも巧いなあと思って聴いている。

久しぶりに（7月24日ミューザ以来）舞台上の演奏を聴いたが、重厚なアンサンブルで［管弦楽］を聴く喜びに満ちていた。

どの楽章も美しいが、特に第3楽章終わりから間髪入れず怒涛の終楽章へ。
あ、コレコレ！
こういうの聴きたいんだ。

ところで、オペラシティコンサートホールはとても響がいい。
みなとみらいに比べるとやや乾いた感じだが、弦のアンサンブルがよくまとまって響いてくる。
みなとみらいといい、オペラシティといい、やはりシューボックス形式に利点があるのかもしれないな。

♪2018-121/♪東京オペラシティコンサートホール-01

フレッシュ・アーティスツ from ヨコスカ シリーズ52 千葉百香 ピアノ・リサイタル

2018-09-30 @横須賀芸術劇場

千葉百香：ピアノ

シューベルト：即興曲 作品142 D.935から
　第3番 変ロ長調
　第4番 へ短調
ベートーベン：ピアノ・ソナタ第21番ハ長調　作品53 「ワルトシュタイン」
シューマン：幻想小曲集 作品12　全8曲
リスト：メフィスト・ワルツ第1番「村の居酒屋での踊り」 S.514
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アンコール
プロコフィエフ：10の小品 作品12から第7番前奏曲「ハープ」

彼女が小学5年時に全国学生音楽コンクール全国大会で横浜市民賞を受賞し（中学で全国1位）、その直後に横浜交響楽団とモーツァルトのピアノ協奏曲第23番での共演やリサイタルを聴いて驚いた。
技術的な面も小さい手指でありながらそのハンデをモノともしないことも驚きだが、それより、子供ながら自分の音楽を表現しようとしていたその姿勢に驚かされた。

そして今、桐朋高1年。
5年ぶりに聴く音楽の長足の進歩に再度喫驚。

まずはピアノの音が実に美しい。
小ホールの見た目は立派とは言えないが、音の粒立ちがよくカーンと抜けてゆく。その音響の良さにも助けられた、というか、彼女の素のままの音楽表現が染み渡った。

そのせいで、最弱音から最強音まで、遅いテンポでも速いフレーズでもすべての音に神経が行き届いているのがよく分かった。

シューベルト即興曲3番で始めたのが個人的には好感。
直ぐに彼女の世界、否シューベルトの世界に惹き込まれた。
ワルトシュタインも部分的には新鮮なフレージングに刮目した。シューマンもリストも全てに共鳴できた。

これは将来有望で楽しみな15歳だ。

♪2018-120/♪横須賀芸術劇場-01

横浜みなとみらいホール会館20周年記念 サー・サイモン・ラトル指揮ロンドン交響楽団演奏会

2018-09-28 @みなとみらいホール

サー・サイモン・ラトル：指揮
ロンドン交響楽団

ヘレン・グライム：織りなされた空間（日本初演）
マーラー：交響曲第9番ニ長調

開演時刻を5分強過ぎて団員がぞろぞろ入ってきた。まあ、こういう始まり方は日本のオケでも普通だ。
面白いと思ったのは、プレーヤーとは別に、黒尽くめのステージマネージャーと思われる男性が2人、舞台に登場して、プレーヤーがちゃんと着席する様子を見ている。これは初めての経験だ。海外オケも色々聴いているがこういう例はなかった。

コンマス以外が揃ったところで、普通はコンマスの登場を待ち、彼の合図でチューニングが始まるのだけど、今回、ロンドン響は違った。コンマス登場の前に次席（フォアシュピラー）が立ちあがってチューニングを開始した。一旦静まり返ってからコンマス登場だ。彼は舞台袖でチューニングしたのだろうな。

さらに、ややあって白髪頭のサイモン・ラトルが登場した。

休憩後の後半の始まりはコンマスもさっさと席に付きその場でチューニングを始めたから、最初のやり方は一種の格式張ったセレモニーだったのだろう。

1曲めは1981年生まれ（37歳）の女流作曲家の作品で、3楽章構成。第1楽章は昨年ロンドン響のために作曲されたと書いてあったが、第2、第3楽章の作曲経緯や、作曲年は解説に書いてなかった。いずれにせよ、ここ数年のものだろう。言うまでもなく、超現代音楽で、弦楽器さえ打楽器のような扱いで、面白くも何ともない。管弦打のアンサンブルの美しさなどを追求している作品とは思えない。ひたすら意表を突くことを狙っているようにしか思えない。これでも聴き慣れたら別の味わいが出るかもしれないが、聴き慣れたくもない。

メインはマーラーの作品中、ナマでは最も聴く機会の少ない交響曲第9番。避けている訳ではないけど、オーケストラの方でも中々取り上げないから、僕が前回聴いたのは4年4ヶ月も前のことになる（ジョナサン・ノット指揮東響＠サントリー）。

CDでは何十回となく聴いているけど、聴いても聴いても頭に入ってこない不思議な迷曲だ。

今日の演奏は85分。無駄に長い。

演奏は昨年のラトル＋ベルリン・フィルの方が一枚上手かな。アンサンブルの力強さ、音楽のメリハリは良かった。

弦楽器は16型の編成で、両翼に配置したバイオリン群の効果か、スケール感は出てた。

しかし、個々の奏者の演奏技術などでは特に感心するものはなし。
高域弦ではキンキン音が混ざり透明感に不足。

1週間前に同じホールの左隣席で聴いた日フィル定期での弦楽の響の美しさには及ばず。

このレベルだと、日本のトップ・オケを3回聴いた方が良い音楽体験ができるはず（N響第九の2倍、定期演奏会の3倍の価格。いずれもS席比較で。）。

♪2018-119/♪みなとみらいホール-27